Baltasar de Alcázar, poeta huérfano

En las antologías poéticas encontramos junto a los grandes poetas de nuestro Siglo de Oro como Quevedo, Lope de Vega, Góngora, Cervantes o Fray Luis de León, otros poetas cuyos versos son todavía más invisibles.

Es el caso de Baltasar de Alcázar, nacido en 1530 en Sevilla y fallecido en 1606 en Ronda (Málaga). En sus poemas, Baltasar de Alcázar no mira los muros de la patria mía, ni de la suya; tampoco alaba la descasada vida del que huye del mundanal ruido. ¿Para qué? Sí, Baltasar de Alcázar ya sabía que nos íbamos a convertir en tierra, en humo, en polvo, en sombras, en nada. Así que, prefirió cultivar un tono festivo, jocoso, casi absurdo, nunca sangrante, poco común en el Siglo de Oro. Sus poemas giran en torno a los placeres de la buena mesa y a los encantos de las mujeres. En ellos muestra un talento indiscutible para cuadrar métricamente el chiste en el sitio que corresponde. Así es la obra de este poeta huérfano de centenarios y de lectores, pero no de ese bien tan preciado y del que todos andamos bastante huérfanos que es la risa.

Tres cosas me tienen preso
de amores el corazón,
la bella Inés, el jamón,
y berenjenas con queso.

Esta Inés, amantes, es
quien tuvo en mí tal poder,
que me hizo aborrecer
todo lo que no era Inés.
Trájome un año sin seso,
hasta que en una ocasión
me dio a merendar jamón
y berenjenas con queso.

Fue de Inés la primer palma;
pero ya juzgarse ha mal
entre todos ellos cuál
tiene más parte en mi alma.
En gusto, medida y peso
no le hallo distinción:
ya quiero Inés, ya jamón,
ya berenjenas con queso.

Alega Inés su bondad,
el jamón que es de Aracena,
el queso y la berenjena
la española antigüidad.
Y está tan en fiel el peso
que, juzgado sin pasión,
todo es uno, Inés, jamón,
y berenjenas con queso.

A lo menos este trato
destos mis nuevos amores
hará que Inés sus favores
nos los venda más barato.
Pues tendrá por contrapeso
si no hiciere razón,
una lonja de jamón
y berenjenas con queso.

Baltasar de Alcázar 

Foto de portada del dossier "Quién no cae no se levanta"

Quién no cae no se levanta, con Elisa Sanz

La Finea Teatro participa en esta edición de Ensayando un clásico con una desconocida comedia de Tirso de Molina titulado Quién no cae no se levanta, protagonizada por la curiosa Margarita. La obra forma parte de ese ciclo de obras de este autor que giran en torno a la rebeldía de la mujer y que han sido tan poco representadas, como Antona García o La prudencia en la mujer. Y, Margarita, la protagonista engorda las filas de ese amplio grupo de personajes femeninos que atraviesan la literatura occidental a las que se las acusa de haber aprendido todos los vicios en las novelas, y por eso se les termina por prohibir leer.

Foto de portada del dossier "Quién no cae no se levanta"

Foto de portada del dossier “Quién no cae no se levanta”

Los escenógrafos Antiel Jiménez y Paola de Diego, miembros del equipo creativo de La Finea Teatro serán los encargados que crear escenográficamente el universo de Margarita. En las tutorías con la escenógrafa Elisa Sanz exponen su idea de convertir el escenario en la habitación de Margarita que será resultado, despojo e ingrediente de los que le pasa al personaje. Los referentes estéticos manejados vienen del mundo del videoclip, la instalación, la moda… y ahora es el momento de traducirlo en formas y en herramientas que pueda utilizar el director de escena, que es de lo que se trata. Crear antes de que la excesiva reflexión les aleje de la frescura de las primeras ideas.

Otra de las cuestiones que Elisa Sanz plantea es la posibilidad de reflexionar y poder crear en torno a la pregunta ¿cómo se va a meter al público en la escenografía?, ¿va a pasar algo a la entrada del público que le predisponga? Nuevas posibilidades sobre las que trabajar el espacio que está más allá del escenario. Nuevos retos.

Las alcaldas, con Mariano García

Asistimos a la primera tutoría que el equipo creativo de Las alcaldas tiene con Mariano García, diseñador de sonido. María Gómez, directora y dramaturga de este proyecto basado en La elección de los alcaldes de Daganzo, de Miguel de Cervantes, expone en esta sesión de trabajo cómo han concebido hasta el momento sonoramente Las alcaldas. En su propuesta se plantea la misma pregunta que Cervantes se hizo hace cuatrocientos años: ¿los que gobiernan están cualificados para tal menester?

Mariano García plantea que lo que se escucha en un escenario es tan potente como lo que se ve pero que, sin embargo, el sonido sigue sin estar hoy en día en el planteamiento dramatúrgico de un espectáculo. Es precisamente en este momento de germinación del proyecto escénico cuando las decisiones dramatúrgicas y también prácticas con respecto al sonido se deben tomar respondiendo a estas dos cuestiones: ¿por qué? y ¿con qué? Dramatúrgicamente, un texto puede adquirir mucho volumen gracias a lo que se oye, no sólo en la escena, sino a los sonidos que vienen de fuera de ella. ¿Y si pasa un avión que genera un incisión en el diálogo y generando algo distinto? Una suspensión en la tensión escénica, un corte… ¿Y si cada personaje tuviera un leitmotiv musical?

 

 

A través de todas las alternativas y posibilidades que expone Mariano García en esta primera sesión se abre todo un abanico de posibilidades para el equipo artístico de Las alcaldas. Se amplía su visión y oído. La mejor manera para comenzar este trabajo de manera unificada y provechosa es hacerlo a través de conceptos muy precisos, sencillos y los mismos para diseñador de sonido, de iluminación, para la escenografía y el figurinismo. Conceptos grandes que luego se puede ir matizando. Un fascinante trabajo por delante en torno a la palabra cervantina que… veremos cómo suena.

Equipo creativo de "¡Qué herencia, qué figura, qué paciencia!"

¡Qué herencia, qué figura, qué paciencia! , con Fernando J. López

Equipo creativo de "¡Qué herencia, qué figura, qué paciencia!"

                              Equipo creativo de “¡Qué herencia, qué figura, qué paciencia!”

Compartimos una de las tutorías que Gorka Martín y Óskar Galán, director y dramaturgo respectivamente de la Cía. Sinsorgadas y Producciones, tienen con Fernando J. López. La propuesta de este equipo artístico, participante en Ensayando un clásico, está basada en la comedia de Rojas Zorrilla titulada Lo que son mujeres y con esta propuesta nos descubren a sus protagonistas: Matea y Serafina, mujeres peculiares que no responden en absoluto a lo que se espera de las damas del teatro del Siglo de Oro. Ambos personajes femeninos tienen una visión distinta de los hombres, del matrimonio, del amor y, por supuesto, de su propio papel como mujeres. Sólo hay que leer el arranque de la obra para comprobarlo.

En sesiones de trabajo como ésta el dramaturgo del proyecto tiene la oportunidad de confrontar periódicamente las decisiones que dramatúrgicamente va tomando con Fernando J. López, cuya labor en este proceso es acompañar y asesorar desde la experiencia y la escucha, y siempre desde un punto de vista esencialmente práctico. Así, escena a escena, el dramaturgo plantea cómo va a abordar, o ya ha abordado, cuestiones tan concretas como el corte de pasajes redundantes, la supresión de personajes, la inserción de texto apócrifo… Junto al maestro, comprueban en las sesiones de trabajo su adecuado funcionamiento y cómo estas acciones dramatúrgicas afectan al sentido general de la obra, al ritmo, a la propia puesta en escena y acercan o no el texto de Rojas Zorrilla a ese lugar a donde la propuesta de este equipo creativo nos quiere llevar.

Para otorgar a Matea y Serafina el brillo que merecen, adelantamos que este equipo creativo ha optado por trabajar dramatúrgicamente en torno a la construcción de saltos temporales que dinamicen, generen intriga y capten la atención del espectador y, todo ello desde la comedia con guiños musicales inesperados que… no vamos a desvelar.

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¡Arrancamos!

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Parte del cuadro de profesores y de los participantes de esta edición

El pasado lunes siete de noviembre, se celebró la primera de las sesiones de trabajo que se sucederán a lo largo de esta III edición de Ensayando un clásico. Ante los profesores, los miembros de los cinco equipos artístico-técnicos seleccionados explicaron las decisiones dramatúrgicas y estéticas adoptadas, las razones que les habían llevado a tomarlas, lo que querían contar en sus puestas en escena, por qué esos textos y no otros… Pues éste es, precisamente, uno de los objetivos de este proyecto: aprender a explicar de manera solvente y con coherencia, ya sea a través de la palabra oral o escrita, o a través de imágenes, una propuesta escénica.

Entre los cinco proyectos seleccionados en esta edición dedicada al humor, además del entremés de Cervantes La elección de los alcaldes de Daganzo, o Las ferias de Madrid de Lope de Vega, los participantes se han atrevido a trabajar textos prácticamente desconocidos, como la Mojiganga de las visiones de la muerte de Calderón, Lo que son mujeres, de Rojas Zorrilla y Quien no cae no se levanta, de Tirso de Molina. Textos con visiones delirantes y muy poco convencionales de la religión, con mujeres que se gobiernan a sí mismas o con cómicas transgresiones de la idea de la muerte. Hallazgos que evidencian la riqueza de nuestro legado teatral barroco y lo mucho que aún nos queda por atrevernos a descubrir.

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Francisco de Pacheco, maestro de genios

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En 1613 llegó al estudio sevillano de Francisco de Pacheco un muchacho llamado Diego de Velázquez que, según su padre, tenía ambición y talento para la pintura. En aquella época los maestros no se dedicaban de manera única a instruir a sus pupilos, así que el artista trabajaba en los encargos de sus mecenas y, en el proceso, enseñaba a sus discípulos, a quienes se les encargaba poco a poco trabajar en algunas partes de la obra. Por ello, el trabajo artístico terminaba siendo más bien una especie de trabajo colectivo, en el que el maestro permitía a sus aprendices hacer partes más o menos importantes de la pintura a partir del grado de habilidad y sensibilidad mostrado.

Velázquez aprendió así, pintando para su maestro, la representación realista y analítica, el estudio de las expresiones y del carácter humano. Con su brillantez sedujo al maestro y a su hija Juana, con la que contrajo matrimonio, como era usual en los gremios profesionales. Tras esta anécdota, quedó escondido un escritor, pintor, teórico, figura capital del ambiente cultural sevillano… un personaje lleno de matices.

No sabemos si en su inconsciente Velázquez continuó pintando para su maestro cuando ya era pintor de cámara del rey de las Españas Felipe IV, lo que sí sabemos es que  el genio de Velázquez seguramente no hubiera sido el mismo sin las enseñanzas de su maestro Francisco de Pacheco.

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El arte de Clara Peeters en el Museo del Prado

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Desde el 25 de octubre y hasta el 19 de febrero de 2017 se puede visitar en el Museo del Prado de Madrid la exposición El arte de Clara Peeters, pintora flamenca de la que apenas existen datos biográficos, sin embargo su obra, desarrollada entre 1607 y 1621, sorprende por un minucioso naturalismo totalmente novedoso en la época lleno de color y armonía.

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En los siglos XVI y XVII pocas mujeres pudieron dedicarse a la pintura de manera profesional. La mayoría de ellas eran hijas de pintores, bajo cuya órbita se formarían. Desconocemos si ése es el caso de Clara Peeters. De cualquier forma, tenían prohibido el dibujo anatómico, que generalmente se hacía a través del estudio del natural de modelos masculinos desnudos, lo que condicionaba su aprendizaje. Por ese motivo, muchas de esas mujeres pintoras se especializaron en la pintura de bodegones. En las hermosas composiciones de Clara Peeters la artista incluyó autorretratos siempre a través de reflejos sobre metal o vidrio, como jugara, de manera más explícita, el propio Velázquez en Las Meninas treinta años después.

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Cuadro de profesores de la 3ª edición de Ensayando un clásico

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Por tercer año consecutivo, la Fundación Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro pone en marcha Ensayando un clásico, proyecto en el que varios equipos artísticos tienen la posibilidad de crear  la puesta en escena de un texto dramático barroco acompañado y asesorado por un cuadro de profesores formado por profesionales de las artes escénicas de nuestro país.

El siete de noviembre, comienza para los participantes el proceso de seguimiento de cada uno de los profesores sucediéndose las sesiones de trabajo conjuntas con las personalizada a modo de tutorías. Sus puestas en escena, en torno al humor en el Siglo de Oro español, irán tomando firma a lo largo de todo un mes de trabajo que mostrarán el 19 de diciembre de manera abierta ante sus profesores pero también ante el público interesado. Tras esta primera parte, a partir de enero los mejores proyectos comenzarán los ensayos para ofrecer una puesta en escena de muestra de 15 minutos de duración a lo largo del mes de febrero de 2017.  Pero todavía quedan muchas decisiones por delante para llegar allí. Iremos paso a paso viviéndolo y contándolo.