Instantes capturados de Ensayando un clásico

LA RECTA FINAL

ultimando los detalles

 

 

Instantes capturados de Ensayando un clásico

Instantes capturados de Ensayando un clásico

Después de seis semanas de encuentros entre los expertos y los diferentes grupos, ha llegado el momento de empezar a concretar ante la inminente presentación de trabajos el próximo lunes 22 a las 19:30 en la Nave 73.

Durante estas semanas hemos visto cómo los proyectos han ido mutando hacia unos dossieres más precisos y definidos. Por las aulas del Circo Price han paseado cientos de ideas que han ido dando forma a cada trabajo y desarrollando la imaginación de los asistentes. Porque tomar decisiones nunca fue fácil, los cuatro grupos han tenido que renunciar a ideas preconcebidas de los distintos espectáculos, siempre con la duda de si la elección era la correcta.
Algunos de los profesores han señalado la importancia de no tomar decisiones caprichosas que hagan del trabajo, un proyecto injustificado. “Esto es como una maquinaria. No puedes colocar una pieza porque sí. Si lo haces, el mecanismo nunca acabará de funcionar correctamente”.
Los cambios de última hora por parte de algunos integrantes han consumido, por momentos, los ánimos de sus compañeros. “Es agotador estar trabajando en una línea y que luego te digan que no va por ahí”. Y es que, aunque de antemano pueda parecer que se tiene todo claro, “ningún proyecto está terminado hasta el mismo día en que se estrena”.

El trabajo en equipo ha sido el leitmotiv que los grupos se han aplicado desde el comienzo. A pesar de las diferencias entre las especialidades, los diversos integrantes han acudido a la sesiones para seguir aprendiendo de todas las materias. Ya que como bien apuntaba Ana Garay: “Ahora todos hacemos de todo y hay que mirarlo de forma positiva. Ésta es una época de trampear. Hay que ser mercenarios porque tenemos que seguir haciendo teatro”.

A escasos días de la presentación de los dossieres, los cuatro grupos ultiman los detalles en busca de un excelente trabajo.

África Hurtado.

Alumna en prácticas de la Resad para Ensayando un clásico.

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VIAJAR EN EL TIEMPO

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Se agota el año y la 37 Edición de Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro oficialmente llega a su fin. Con las convocatorias de la 38 edición ya abiertas, trabajamos con la mirada puesta en el verano que viene y, a la vez, como viajeros en el tiempo un poco desorientados, nos trasladamos al camino de Osuna junto al caballero, a la Sevilla burlada de Tirso de Molina o a los laberintos de amor de Sor Juana. En fin, gajes de este oficio que viene a mostrarnos que efectivamente, el tiempo es relativo. El dispositivo más eficiente para viajar en el tiempo sigue siendo la butaca del teatro. Gracias a los directores de escena, una buena representación teatral de un texto clásico nos ofrece una experiencia muy alejada de una visita arqueológica a nuestro pasado. Nos ofrece una lente desde la que nos instan a no perder de vista la actualidad. Eso sí que es un oficio. Por mucho que lo publiquen en los boletines oficiales, si nuestros autores clásicos nos siguen planteando conflictos no resueltos, si sus personajes sufren ante nuestros ojos heridas idénticas a las nuestras, el teatro no puede catalogarse como un mero entretenimiento.

 

En ocasiones para viajar en el tiempo, no hace falta dispositivo ni artilugio ninguno, simplemente es necesario ver escritas palabras evocadoras de otros tiempos como “miriñaque”, “alojero” o… “mecenazgo”. En el caso de ésta última el diálogo que se establece entre pasado, presente y el futuro de las artes escénicas es indiscutible. Las complejas relaciones que a principios del siglo XVI se establecieron entre los mecenas y los poetas dramáticos que se afanaban por ganarse sus favores, no tardaron en dar un giro cuando el teatro abandonó los palacios para salir a las calles y a los corrales de comedias. Según algunos historiadores, la literatura del siglo XVII tiene como límite trágico para el escritor el mecenazgo, como en otros tiempos lo ha sido la sumisión a la censura. Más de cuatro siglos después, en el ecuador de esta década son los recortes presupuestarios en las artes y la cultura los que suponen un límite trágico y desolador. ¡Vaya oficio éste!

Con ley o sin ley de Mecenazgo, y aún con recortes, cualquier empresa o persona física puede y debe contribuir a acercar las artes y la cultura a los demás, especialmente a los más pequeños. En ellos debemos encender el motor de la curiosidad para comprender otras realidades, para empatizar con los sentimientos de los demás, para identificarse con el otro y, sobre todo, para no privarles de la experiencia de sentarse en una butaca de teatro y viajar en el tiempo.

 

Elena Mª Sánchez

 

Píldoras

PÍLDORAS DEL SABER

Píldoras
La semana pasada tuvimos la suerte de asistir a las tres sesiones magistrales, apellidadas “píldoras”, en las que tres expertos de la producción, el diseño y la comunicación guiaron a los grupos en los diferentes campos y ofrecieron una mirada más atractiva de estas tres grandes materias.
Si había algo en lo que todos los asistentes estaban de acuerdo, era que en los tiempos que corren, uno debe saber un poco de todo para lograr llevar a cabo un espectáculo lo más completo posible.

Fernando Bonelli, producción.

 Píldora Fernando

“La producción es la que hace posible los sueños”. Con esta frase comenzaba la sesión destinada a una de las áreas más complicadas de un montaje teatral. Fernando explicó, de una manera tremendamente sencilla, cuáles eran los pasos a seguir para lograr producir un montaje, aun no teniendo medios para hacerlo. “Quizás no encontréis a nadie que quiera poner dinero para vuestro espectáculo, pero en lugar de eso, puede que no les importe cederos material que siempre os ahorrará dinero de la producción”.
También estuvo aclarando la función de un administrador dentro de una compañía teatral, recordó la importancia de que todas las decisiones tomadas estuvieran por escrito y las diferentes fases para llevar a cabo un espectáculo (pre-producción, producción, estreno…). Antes de finalizar, aconsejó que si la compañía se lo podía permitir, siempre sería una buena inversión contratar a alguien experto en el tema.
“Cada uno tiene que hacer lo que sabe hacer. Yo no me subo a un escenario porque no soy actor”.

Enrique Bordes, diseño.

Píldora Enrique

“Todo Hollywood utiliza la tipografía de la columna de Trajano, seguramente sin saber cuál es su procedencia”. Con este ejemplo, Enrique explicó la similitud entre los creadores escénicos y los diseñadores; los primeros sienten una conexión con los clásicos, y lo mismo ocurre con los segundos, quienes adoran las tipografías de antaño, siempre recurrentes a la hora de realizar un diseño. Para amenizar la sesión, Bordes compartió un interesante power point donde mostraba diferentes trabajos e imágenes que servían de inspiración a la hora de crear un diseño. “Hay que intentar utilizar tipografías de Armani y no de las de Zara”.
También compartió con los asistentes algunas de las reglas que hay que tener en cuenta a la hora de realizar un proyecto: “El diseño tiene que tener aire. Es importante que pueda respirar”.
Habló del ruido que tiene cada época, de la textura y de la gran ayuda que podía resultar el introducir algunos parámetros inesperados cuando se sentía un bloqueo en la creación.
Tras compartir una detallada bibliografía enfocada a la materia, Enrique mostró algunos modelos de fanzines de diseño, que bien podrían inspirar a los asistentes a la hora de realizar los diferentes dossieres.
“Realizar un dossier a modo de periódico de prensa es fácil, barato y muy atractivo”.

Nico García, comunicación.

Píldora Nico

“Hay que buscar el punto de vista noticiable, porque siempre lo hay”. Con este primer consejo, se abría la jornada dedicada a la comunicación. Nico explicó, de una manera clara y concisa, la enorme diferencia que existe entre comunicación y marketing. “La comunicación es posible gracias a la buena relación que se mantiene con gente que trabaja en los medios. Para el marketing no importan tanto los vínculos, sino el dinero que tienes”.
Al igual que Fernando, Nico mostró algunas maneras de conseguir publicidad de un espectáculo sin tener que invertir dinero o, invirtiendo el mínimo. “Siempre se puede negociar. Quizás no os lo hagan gratis, pero siempre podéis intercambiarlo con algunas entradas o pagando los costes de realización”.
Tras explicar en qué consistía una nota de prensa, necesaria para entablar relación con los diferentes medios de comunicación, Nico incidió en la importancia de presentar siempre un buen material. “La calidad es decisiva. Es la carta de presentación”.
Para finalizar, el profesor propuso a los asistentes sacar el punto de vista más vendible de sus proyectos, ayudándoles a buscarlo, al no resultar siempre una tarea fácil. “Siempre hay algo diferente en cada proyecto, algo que lo hace único, y eso es lo que tenéis que encontrar”.

Estas tres jornadas enriquecieron, sin duda, la visión que los diferentes grupos tenían de las materias. En ellas fueron resueltas dudas e inquietudes de los asistentes, quienes descubrieron, algunos ya eran conscientes, la importancia de dedicarle tiempo y esfuerzo a estas tres disciplinas que, bien gestionadas, ayudan al crecimiento del espectáculo y a su futura expansión.

África Hurtado.

Estudiante en prácticas de la Resad para Ensayando un clásico.

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ANDREA D` ODORICO: “¿JUBILARME? A MÍ SOLO ME JUBILARÁ LA VIDA”

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Andrea D`Odorico en el Festival de Almagro en 2010

  “¿Jubilarme? Yo no he entendido nunca muy bien esa palabra. Será porque soy italiano y a veces no entiendo muy bien el castellano, a pesar de que ya casi ni me acuerdo de mi país, pero esa palabra a mí no me dice nada bueno. Para mí jubilarme es morir. Así que a mí solo me jubilaría la vida. Y casi ni eso”. Esas fueron algunas de las últimas palabras que Andrea D `Odorico me dijo el pasado 26 de noviembre en la que posiblemente fuera su última entrevista concedida a la prensa. Como cada día se encontraba en su productora teatral “haciendo números”, como él decía, y “persiguiendo a los deudores”, pero sobre todo gestando un teatro en el que, ante todo, primaba la calidad, el riesgo y la belleza, cualidades artísticas para los que muy pocos estaban a su altura. Quizá porque Andrea D` Odorico ha sido el productor privado que más ha innovado, perseverado y peleado por ofrecer al espectador no solo el teatro más bello, sino también un teatro que los hiciera mejores personas. El maestro por excelencia de la escenografía teatral y uno de los productores más prestigiosos de este país, se encontraba de gira en Sevilla con la obra Así es, si así fue de la que era productor, la cual había aterrizado en el Teatro Lope de Vega en mitad de su gira, cuando sufrió un súbito ataque al corazón a los 72 años de edad. Andrea, como le llamaban sus amigos, el cual era admirado y querido por todos sus compañeros de profesión, falleció en el único lugar posible: en el teatro.

Cuando uno veía a Andrea D`O Dorico por primera vez, ese hombre elegante que medía dos metros de altura, cubría su cabeza rapada con sombrero y vestía su cuerpo robusto con trajes a medida, lo primero que le venía a la cabeza, irremediablemente, era la idea de un hombre fuerte. Pero en cuanto que intercambiabas unas palabras con él, o ni siquiera eso, tan solo una mirada, o quizá una sonrisa, o a veces era suficiente con un gesto, enseguida te dabas cuenta de que detrás de esa coraza se escondía una persona extremadamente sensible. Lo que estaba claro tanto en las distancias cortas como en la intimidad era que, ante todo, uno se encontraba ante un luchador. Ese fue el sino de su vida desde que se afincó en España, hace ya más de cuarenta años, convirtiéndose con el paso del tiempo en una de las personalidades teatrales más importantes de las últimas décadas. Aunque nació en Udine en 1942 y se doctoró en Arquitectura por la Universidad de Venecia, pronto cambió el dibujo lineal por la creación teatral y se trasladó a Madrid, ciudad en el que ha vivido el grueso de su vida. Y en la que también ha dicho adiós a una vida entera dedicada al teatro.

En aquel Madrid de los últimos años del franquismo fue donde conoció a una persona sin la que su historia no se puede contar: el director escénico Miguel Narros, fallecido hace tan solo dos años, con el que firmó sus mejores trabajos. Con él fundó los imprescindibles Teatro Estable Castellano (TEC) y Teatro del Arte. Bajo la dirección de Narros y el diseño escenográfico de D’Odorico levantaron el telón algunas de las mejores producciones teatrales de las tablas hispanas, muchas de ellas obras que ya han pasado a la historia teatral de este país. En el año 2008, el creador italiano decidió continuar con su aventura en solitario. Fundó su propia productora, que llevaba su nombre, y dejó constancia de su trabajo más personal, atreviéndose incluso a debutar en la dirección escénica. Entre sus galardones obtenidos, ha sido premiado con el Goya, el Max, la Mellada de Oro al Mérito de las Bellas Artes, el Ceres y, cómo no, el Premio Corral de Comedias que le ostentó el Festival en el 2004 junto a Miguel Narros, entre otros muchos.

 

En esta última entrevista que mantuve con él en su productora teatral, Andrea D`O Dorico quiso dejar claro que el teatro nunca se va a extinguir porque siempre va a haber un creador y un espectador, pero también dejó constancia de que “a este gobierno, y me atrevería a decir que a casi ninguno, no le interesa lo más mínimo el teatro, porque el teatro debe, (aunque a veces no lo haga, sé de alguno que solo busca popularidad y dinero con él), mover conciencias, al menos el teatro que yo concibo. Ha llegado un momento en que yo produzco teatro por placer, o quizá por necesidad, ahora mismo no sabría decirte cuál de esas motivaciones me sacude más, pero te puedo asegurar que no por hacerme rico, porque en cada bolo estoy perdiendo dinero. El problema es que en este país, (tampoco en Italia, me temo), no se educa a la gente para vivir en la cultura, así que cada vez a menos gente le interesa las historias que contamos; aunque no por eso yo voy a dejar de seguir contándolas, pues siempre hay uno, en alguna butaca del teatro, al que le estás cambiando la vida. Yo creo para ese espectador”. Gracias por crear para todos nosotros, Andrea.

 

Daniel de Vicente   

UN PUENTE DE TEATRO

TAQUILLERO DEL BERLINER ENSEMBLE

Todos los años, los primeros días de diciembre el calendario nos regala tres, cuatro y hasta cinco días de descanso en forma de “Puente de la Constitución”. Unos días perfectos para coger fuerzas antes de la llegada de los turrones y de los décimos de lotería.

Las páginas de internet especializadas en viajes hacen lo imposible para tentarnos a coger la maleta y escapar. Algunas de sus propuestas nos proponen darnos un baño en la playa de las Teresitas de Tenerife, comer un bocata de calamares en la Plaza Mayor de Madrid o a tapear por la calle Laurel de Logroño. Podemos ir un poquito más lejos atraídos por titulares como “Navidad nostálgica en París” o “La Vecchia Roma en diciembre”.

Desde el Festival también queremos proponeros otro tipo de viaje, más peculiar, más curioso: un viaje a través de las ideas y las ensoñaciones, un viaje a través del teatro barroco: 3 destinos, 3 ciudades para pasar un Puente de Teatro.

BARCELONA. Marchamos al Teatre Lliure,  al pie de la montaña de Montjuïc, donde también hasta el 7 de diciembre podemos ver El Misántropo. Esta versión libre del texto de Molière dirigida por Miguel Arco, fue la encargada de clausurar el espacio AUREA en la 37ª Edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro. Ahora tienes otra oportunidad para verla.

 

MISANTROPO

 

PARÍS. Si tienes la oportunidad, ¿por qué no ir a ver y escuchar en su lengua materna otro Molière? En la capital francesa encontraremos una cartelera repleta. Destacamos el Don Juan, dirigido por Jean Pierre Vincent, que se podrá disfrutar en la Comédie Française  hasta el 16 de diciembre. Y también Le Misanthrope del Téâtre de la Bastille, dirigido por Thibault Perrenoud, también en cartelera hasta el 20 de diciembre.

 

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BERLÍN. Os recomendamos que no dejéis de visitar en la capital alemana Dar Berliner Ensemble, sala que ha albergado a la compañía de teatro del mismo nombre fundada por el poeta y dramaturgo Bertolt Brech y su mujer, la actriz Helene Weigel en 1949. ¿La gran sorpresa? El 6 de diciembre puedes asistir a la representación de la comediaAnfitrión, versión libre a partir de los textos de Klein, Molière y Plauto, dirigido Fassung Katharina Thalbach.

Tres ciudades y tres puestas en escena distintas de textos de Molière. La obra de Molière parece sonar bastante fuerte. ¿Será que la misantropía nos amenaza?, Y sus personajes obsesivos, como el avaro, ¿nos siguen haciendo reír? Habrá que ir al teatro y descubrirlo.

Es hora de ponerles cara

ES HORA DE PONERLES CARA

Porque están trabajando duro, con entusiasmo y aplicando todo su tiempo, queremos dedicar el siguiente post a todos los participantes de Ensayando un clásico. Los cuatro grupos están formados por un nutrido número de componentes, profesionales en las distintas disciplinas trabajadas. Aunque atentos con los clásicos, los diferentes miembros no tienen miedo a experimentar y darles una vuelta de tuerca a los textos de Tirso, con propuestas originales y arriesgadas. Para saber un poco más sobre ellos y sobre la iniciativa de participar en esta aventura, les hemos realizado unas breves preguntas que nos acercan a su mundo: “¿Qué os atrajo de este proyecto propuesto por La Fundación?, ¿por qué habéis escogido ese texto de Tirso y no otro? Y por último, ¿qué creéis que puede suponer para vuestra compañía el asistir a las distintas sesiones?” Éstas han sido sus respuestas.

ITEM/SIGLO DE ORO

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De izquierda a derecha: Jose María Esbec, Marina Palazuelos, Amaya Cortaire y Fernando Mercé.

Jose María Esbec, Amaya Cortaire, Fernando Mercé, Marina Palazuelos y Alejandro Colera son los componentes de esta joven compañía, la cual ha elegido un drama bíblico de Tirso La mejor espigadera, aún a sabiendas de la complicación de este texto, nunca antes montado. Como curiosidad añadida, ésta es la primera obra del Siglo de Oro español en la que se presenta a la suegra como un personaje positivo. “Trabajar con estos maestros y con integrantes de otras compañías era muy seductor. Por otra parte, hacerlo con el amparo de La Fundación, tenía un valor añadido. Respecto al texto, estuvimos considerando diferentes opciones, pero gracias a un artículo en el que Lorca hablaba sobre el drama bíblico en Tirso y las connotaciones políticas que aparecen en él, vigentes en la actualidad, decidimos decantarnos por esta obra, asumiendo todas las dificultades que entraña. Estas sesiones están siendo un aventajado aprendizaje para todos nosotros, favoreciendo así a todo el equipo”.

 

ENSAMBLE BUFO

grupo Don Gil

De izquierda a derecha: Israel Muñoz, Santiago Ruiz, Alberto Gálvez, Hugo Nieto, Natalia Erice y Eduardo López.

Hugo Nieto, Alberto Gálvez, Álvaro Lizarrondo, Israel Muñoz, Carolina Valencia, Miguel Magdalena, Eduardo López, Francisco Ruiz, Santiago Ruiz y Natalia Erice. Este cuantioso número de participantes forman parte de Ensamble Bufo, quienes no han dudado en escoger una de las obra más representadas de Tirso, Don Gil de las calzas verdes, para verla desde otro prisma y demostrar que se puede seguir sorprendiendo con los clásicos.

“La posibilidad de investigar y profundizar en un proyecto como éste, donde se le da una merecida dedicación a cada especialidad, fue una de las razones por las que nos sedujo la idea de participar. Don gil de las calzas Verdes es una obra con un ritmo vertiginoso, el barroquismo de la trama, su ritmo, y su cinematografía latente son los puntos que despertaron nuestro interés. Para todo los miembros de la compañía está suponiendo un crecimiento y una motivación muy importante. Para el grupo como ente, supone la posibilidad de arrancar otro trabajo enfocado desde un prisma muy diferente. Este taller/ tutorado nos permite asentar una metodología de trabajo como grupo”.

THEATRO IL TRANCE DI LAS BESTHIAS

grupo villana

De izquierda a derecha: Ronal Cruces Marquina, Ana Montes de Miguel, Eva Ladhari y Javier Aparicio.

Ronal Cruces Marquina, Eva Ladhari, Javier Aparicio, Ana Montes de Miguel y Pau Ferrer. Violanta, la reina quimerista, inspirada en el personaje principal de La villana de Vallecas de Tirso, ha sido la apuesta de este grupo por ser uno de los personajes femeninos del siglo de oro mejor dibujado. “El afán de aprender ha sido fundamental para la compañía. El crear vínculos profesionales sostenibles, tanto con la directiva de la Fundación como con los profesionales asesores, ha sido también uno de los motores para participar en esta convocatoria que nos une, nos vincula y nos confronta como creadores del quehacer teatral. Violanta es uno de los pocos personajes femeninos que no recurre al disfraz de hombre para lograr su cometido y esa una de las cosas que más nos atrajo del texto. Además de todo ello, vamos a crear un dossier profesional, donde estén definidas la estética, los conceptos, los argumentos y donde se plasme que es un apuesta sostenible”.

 

TEATRO GALO REAL

De izquierda a derecha: Gustavo Galindo Almohalla, Marta Cofrade e Iván Luis Agrelo.

De izquierda a derecha: Gustavo Galindo Almohalla, Marta Cofrade e Iván Luis Agrelo.

Gustavo Galindo Almohalla, Marta Cofrade, Iván Luis Agrelo y María del Carmen Camacho Ruiz.Estos cuatro componentes han escogido dos textos, con partes idénticas, para hacer un híbrido entre La venganza de Tamar de Tirso y Los cabellos de Absalón de Calderón. “Últimamente hemos estado trabajando textos de autores del Siglo de Oro, por lo que nos pareció una oportunidad fantástica participar en este proyecto para continuar con esa línea y poder contar con el apoyo de la Fundación. La re-elaboración de este texto ya estaba presente en nuestra compañía antes de conocer la convocatoria, así que puede que sean cosas del destino o pura casualidad, pero nos ha venido genial. Hasta ahora estábamos acostumbrados a coger un texto, realizar una adaptación y comenzar a ensayar. Todo este estudio teórico que estamos realizando, nos está permitiendo llegar a una profundidad en los planteamientos antes de comenzar a ensayar, que no habíamos conseguido antes. Por ello estamos convencidos de que vamos a afrontar el proceso de ensayos de una forma muy diferente a la que lo hemos hecho hasta ahora”. Este conjunto de creadores está pisando fuerte para hacer sonar las tablas y mostrar todo el talento del que disponen, sin rendirse ante las inclemencias de estos tiempos. Si no queréis perderles la pista, el próximo 22 de diciembre tendréis la oportunidad de asistir a la presentación de sus trabajos en la Nave 73. África Hurtado. Estudiante en prácticas de la Resad para Ensayando un clásico.

Clases Circo Price

EL CIRCO DE LAS IDEAS

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Entrar en un aula del Circo Price, lugar donde se respira la palabra espectáculo en cada rincón, y encontrarte a uno de los grupos con una biblia en la mesa y hablando de herencias. Colarte en otra de las clases y ver las imágenes de un pintor al que no conoces, pero que sirve de musa para la iluminación de una obra. Salir de allí para introducirse en otro espacio donde se proyecta una imagen de una campaña de Dolce & Gabbana, y por último, pero no menos interesante, acceder a un cuarto lugar donde, de vez en cuando, se cruzan miradas desafiantes entre compañeros.