CATÁLOGO FESTIVAL DE ALMAGRO

Mesón del As de Cachiporras

Espectáculo inaugural

Descripción

Todo es pretexto para el juego y la fiesta, sobre todo cuando se trata de tapar alguna descuidada gobernanza y el pueblo, entusiasmado, es el primero que se apunta a disfrutarla desde lo más dentro.

Gracias a una baraja de cartas el Corral de Comedias emergió del olvido y hoy está más vivo que nunca.  Esa baraja cobra vida y nos invita al As de Cachiporras, un lugar donde el simbolismo de los naipes, lleno de color y movimiento, atraviesa el tiempo, interpelándonos directamente, sin recovecos, como en una gran pista donde el circo irrumpe y lo desborda todo con sus malabares, acrobacias, charivaris, contorsionismo y volatines. Esa pista circense no es otra que la Plaza Mayor de Almagro, que se transforma en una gran mesa de juegos.

Lo cercano y lo extraordinario se entrelazan en una experiencia que crece sin pausa, que pasa del pulso festivo al vértigo, y del vértigo a la celebración compartida, hasta que la luz y el ritmo convierten la Plaza Mayor en un lugar donde todo se expande.

Así se inaugura el 49 Festival de Almagro, abriendo un tiempo en el que el juego, el circo y la imaginación nos invitan a comenzar de nuevo.

El gran final

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El Gran Final es una tragicomedia sobre el reencuentro de dos payasos separados por una guerra civil justo antes de su último acto. Tras más de treinta años, vidas duras y con cuerpos envejecidos, se reúnen para terminarlo… en un “gran final” que no puede desvelarse, es preciso vivirlo.

Estamos ante un hermoso homenaje al oficio de hacer reír y emocionar, el oficio de payaso. El gran final es un espectáculo de clown y teatro gestual que nos sumerge en un mundo pasado y particular, por su estética y su belleza poética, y nos atrapa con la capacidad de juego e improvisación de sus personajes.

Bucraá Circus llena de humor y poesía la Plaza Mayor de Almagro con este espectáculo que, con dirección de Fernando Villella y Pau Palaus, ha sido coproducido con el Festival internacional de Payasos de Cornellá y ha obtenido premios como el de Mejor Espectáculo Festival Panorama Circada 2019 o el Premio Zirkólika al Mejor Espectáculo de Payasos de España.

MUTE

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“La mutación es una constante. Mutemos para avanzar”. Bajo este lema, la compañía Orain-Bi presenta en el Festival de Almagro Mute, un espectáculo circense sin texto para toda la familia en el que dos artistas reviven el pasado en un teatro olvidado. Un viaje de transformación y superación donde el hecho de reinventarse, desafiando lo imposible, lo cambia todo. Orain-Bi nos invita a mutar las estructuras y también nosotras, las personas, para seguir avanzando, para llegar más lejos, más alto… ¡El más difícil todavía!

Sara Álvarez y Rodrigo Lacasa forman Oain-Bi. La necesidad de crear un espectáculo diferente, original y sorprendente les condujo a Mute. Con dirección de Coral Graciani y Kike Aguilera y mirada externa y dramaturgia de la primera, Mute ha ganado entre otros el Premio al Mejor Espectáculo de Euskadi en la Feria “Umore Azoka” de Leioa. Aquí llega

Dolce Salato

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Espíritu y paladar, cultura y gusto van de la mano en Almagro. También en Dolce salato: mástil chino, monociclo y clown conforman este menú de circo-teatro, un espectáculo sin texto y apto para todos los públicos que hace del escenario una divertidísima delicatessen: Tuli y Vroni son una pareja de panaderos que, entre un libro de recetas y sus divergencias en la cocina, crean para nosotros un ambiente familiar, sorprendente y cómico, siempre impulsados por su talento circense. El ingenuo, distraído y soñador Tuli, y la enérgica, veloz e inquieta Vroni representa, como si fueran "el agua y la harina", convierten la elaboración del pan de cada día en un acto mágico, tierno y surrealista. Mientras amasan a cuatro manos y esperan a que la masa suba, invitan al espectador a un viaje circense y teatral en el tiempo y los sentimientos ambientado en los años 50, utilizando canciones de la época y noticias de radio que evocan el optimismo de la posguerra.

Los componentes de Carpa Diem, ambos provenientes del mundo de la educación y del circo social y con larga trayectoria en espectáculos circenses, nos esperan en la Plaza Mayor de Almagro para degustar Dolce salato en familia.

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Artilusio

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Imaginemos una máquina de apariencia fantástica que late al ritmo de un corazón y se alimenta de libros, una máquina que no produce cosas sino mundos, y junto a ella, Greta, una anciana entrañable, imprevisible y fantasiosa, que encuentra en ese artefacto una manera de seguir jugando y de seguir habitando la vida.

Cada libro que atraviesa la máquina se convierte en una historia que se abre, en un viaje que comienza, en una imagen que envuelve, y en ese gesto arrastra a Pina, su cuidadora, a un espacio donde la realidad se vuelve más ligera y donde todo puede transformarse con suavidad, como si las páginas respiraran.

Inspirada en las teorías del juego de Friedrich Fröbel, la obra propone una mirada delicada sobre la fragilidad del juego creativo en un mundo que a menudo lo olvida, y reivindica, con humor, poesía y una ternura luminosa, el acto de leer y de jugar juntos como lugares donde aprender, emocionarse y encontrarse.

En el marco del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, donde las palabras que nos convocan son juego, sentir e imaginación, Artilusio se despliega como una invitación a detenerse, a compartir y a recordar que imaginar juntos sigue siendo una de las formas más hermosas de estar en el mundo.

EL PICAO III. Tabas, naipes y memes. Tomar las calles a través del juego

Proyecto de mediación cultural del Festival de Almagro

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✦ ¿Y si jugamos a suspender los roles y las reglas de lo establecido? ♢ ¿Qué otras maneras de relacionarnos encontraríamos? ♡ 􀀀 Con Tabas, naipes y memes, la plaza se convierte en un gran tablero, un laberinto en el que perderse para jugar a través del tiempo.

☆¿Recuerdas cuando bastaba con decir “se puede”? Esta propuesta escénica participativa nace de esa intuición: tomar las calles a través del juego. Un encuentro lúdico donde mirarnos a través del tiempo, ocupando el espacio público desde la posibilidad, el azar y el cambio.☆

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A partir de un proceso de mediación artística e intergeneracional con personas del Campo de Calatrava, La Chivata Teatro presenta, por tercera vez, una pieza que recoge los saberes y sentires de Almagro. Un tablero inmersivo y participativo en el que cada parada será una ficha, una carta, un pequeño umbral que convierte los juegos de siempre, de antaño, y de hoy, en diálogo compartido. ︎

✦ Jugaremos para encontrarnos, para crear un espacio propio, para inventar futuros posibles y probar otras formas de habitarnos. ✦

Written in Sound

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Tras la muerte de su abuelo, un guitarrista regresa a su país con un legado inesperado: un conjunto de cartas nunca entregadas a la mujer que marcó una vida. Ella, célebre cantante de ópera en el Shanghái de mediados del siglo XX, desapareció sin dejar rastro, dejando en suspenso una historia atravesada por la distancia y el paso de los años.

A partir de este hallazgo, el espectáculo traza un diálogo con El pabellón de las peonías, obra de Tang Xianzu escrita en 1598 para la ópera kunqu. Considerada una de las cimas de la dramaturgia china, narra el amor de Du Liniang y Liu Mengmei, capaz de desafiar las normas sociales, el orden del mundo e incluso la muerte.

La propuesta, interpretada por la Shanghai Huai Opera Troupe dirigida por Tan-Yun, articula distintas formas de la ópera tradicional china. Ahora recalan en Almagro con su Written in Sound, un exquisito puzzle de tiempos, músicas, acentos y emociones.

Desde el Festival os invitamos a escuchar cómo las historias viajan, se transforman y regresan, recordándonos que el amor y la memoria siguen encontrando su lugar en escena.

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La vengadora de las mujeres

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¿Quién es La vengadora de las mujeres? Se trata de Laura, princesa bohemia de firme carácter y notable formación, que impulsa una singular escuela femenina destinada a reivindicar el valor intelectual, moral y físico de las mujeres, tantas veces puesto en cuestión. Bajo una máscara de esgrima, desafía a sus pretendientes y los vence, convirtiendo el duelo en un gesto de afirmación.

La comedia responde a las convenciones de su tiempo y encamina la acción hacia un desenlace en el que el amor ocupa un lugar central. Sin embargo, el trayecto dramático permite vislumbrar una reflexión más honda sobre la condición femenina y los márgenes que la sociedad le impone.

En Laura se reconoce una conciencia lúcida que cuestiona el orden establecido desde el ingenio, la palabra y el cuerpo. La obra articula así un discurso que, sin romper con su marco histórico, deja entrever una temprana reivindicación del pensamiento y la autonomía de las mujeres.

Un texto que, desde su tiempo, sigue interpelando al nuestro con una claridad inesperada.

Es un acontecimiento recibir en Almagro a Teatro del Temple, avalado por treinta y dos años de trayectoria, casi sesenta espectáculos y múltiples premios. En esta ocasión presenta en Almagro La vengadora de las mujeres, el magnífico texto de Lope de Vega, en coproducción con la Compañía Nacional de Teatro Clásico, con dirección de Carlos Martín y dramaturgia de Alfonso Plou y María López Insausti.

Teatro del Temple son sus 33 años los de trayectoria ha producido “La vengadora de las mujeres” siendo su espectáculo número 60.

Una noche con nuestros clásicos de ópera y zarzuela

Orquesta CLM Sinfónica

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La música está muy presente en Almagro 49. Este programa de la Orquesta Sinfónica de Castilla-La Mancha, asidua de nuestro Festival, hará que suenen la fuerza dramática y la riqueza sonora de algunos de los grandes coros de la ópera y la zarzuela. El concierto nos ofrece momentos emblemáticos, intensos y conmovedores, de la gran ópera europea del siglo XIX: desde la solemnidad épica de Verdi hasta el lirismo apasionado de Puccini, pasando por la intensidad mitológica de Wagner, la energía de Rossini y la elegancia de Gounod.

Junto a estas páginas fundamentales de la tradición operística, hay un lugar destacado para la zarzuela. Obras de compositores como Tomás Bretón, Amadeo Vives o Pablo Sorozábal aportan ese color y carácter propios de nuestra tradición musical.

El resultado es un concierto que traslada al formato sinfónico la emoción del teatro musical, ofreciendo al público una experiencia colectiva donde la potencia del coro, la memoria cultural y la belleza sonora se unen en una celebración de la gran música vocal.

Va de Bach

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Va de Bach es una invitación a adentrarse en la música del Barroco a través del juego, la danza y la imaginación. Aracaladanza se sumerge en el universo de Johann Sebastian Bach para convertir su música en movimiento, imágenes y experiencias compartidas.

Sobre el escenario, cinco bailarines —y un gorila— despliegan un mundo en constante transformación. Manos que crecen, pelucas que se alargan, objetos que parecen tener vida propia y paisajes que aparecen y desaparecen crean una sucesión de escenas sorprendentes que invitan a mirar con asombro.

La música guía cada instante, marcando el ritmo de una dramaturgia visual donde el cuerpo se convierte en instrumento y la escena en un espacio abierto a la imaginación. El Barroco aparece así como una energía viva, donde conviven la precisión y el juego, el orden y la libertad.

Pensado para disfrutar en familia, el espectáculo propone una experiencia compartida donde cada espectador encuentra su propio recorrido.

Un encuentro con la música, el cuerpo y la imaginación que invita a dejarse llevar y a descubrir, juntos, nuevas formas de sentir.

L’Avare

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Clément Poirée y el Théâtre de la Tempête presentan en España una propuesta escénica que parte de El avaro de Molière para interrogar nuestro presente desde el juego teatral. En un tiempo atravesado por la acumulación y la dificultad de renunciar, la obra sitúa en el centro una pregunta que es también ética y política: qué significa hoy poseer y qué estamos dispuestos a compartir.

La experiencia comienza antes de entrar en la sala. El público es invitado a traer objetos que serán entregados a la compañía. Sobre el escenario, los intérpretes —despojados de todo— construyen cada noche un espectáculo distinto a partir de esas donaciones, transformando lo recibido en vestuario, escenografía y acción.

“Llegar con las manos llenas es tan interesante como llegar con las manos vacías”, señala Poirée. De ese gesto nace una reflexión sobre el valor de las cosas y su vida posible.

Ubicado en París, el Théâtre de la Tempête se define como un espacio abierto, dedicado a la creación, la acogida y el encuentro entre artistas y público. Al término de cada función, los objetos continúan su recorrido en asociaciones.

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Partitura en juego. Músicas para imaginar un país

Banda Municipal de Almagro

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Más música en la programación del espacio de Áurea. Partitura en juego. Músicas para imaginar un país es un concierto que también es un viaje: nos propone un recorrido por fantasías, danzas y poemas sinfónicos que nacen de una mirada exterior sobre nuestras tradiciones. A través de estas piezas, la música se convierte en un espacio de juego donde distintos compositores proyectan su propia visión: una geografía soñada, una cultura intuida, un imaginario construido desde la distancia. Cada partitura es una carta puesta en la mesa. Cada sonido, una forma de acercarse a lo que creemos reconocer y, al mismo tiempo, descubrir de nuevo. La música, en juego, nos invita a escuchar cómo se habita y se siente un país de la mano de la Banda de Música Municipal de Almagro, una vez más presente en la programación de nuestro Festival.

La vida es sueño…en música

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La vida es sueño… en música plantea una nueva forma de acercarse a la obra de Calderón. No se trata de musicar el texto, sino de mantener cerca de novecientos versos originales y combinarlos con música ibérica del siglo XVII, creando una especie de juego escénico entre la palabra y la música.

Con el asesoramiento del especialista Ignacio Arellano, la obra se centra en sus dos conflictos principales: el enfrentamiento entre deseo y autocontrol y el dilema entre poder y libertad. Así, la acción se concentra en tres personajes clave, Basilio, Rosaura y Segismundo, interpretados por Eva Rufo, Jesús Noguero y Eduardo Mayo, tres actores que nos guían en el drama mientras que la música, seleccionada por Albert Recasens y Josep Barcons, incluye a compositores como Juan Hidalgo, Carlos Patiño o Sebastián Durón. A través de ella un elenco de cantantes e instrumentistas preparan la atmósfera de las escenas, parafrasean la acción dramática y dialogan con los personajes como lo haría un coro.

El resultado es este original espectáculo de La Grande Chapelle, con dirección musical de Albert Recasens y escénica de Eva Rufo, producido por el Festival Espurnes Barroques en colaboración con el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro.

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Acaricia un Verso

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¿Qué ocurre cuando una persona encuentra las herramientas necesarias para desarrollar todo su potencial?

Esa es una de las preguntas que atraviesa La dama boba, la comedia que Lope de Vega escribió a comienzos del siglo XVII y que protagoniza esta tercera edición de Acaricia un verso. A través de Finea, una joven a quien todos consideran incapaz, Lope construye una historia sobre el aprendizaje, el acceso al conocimiento y la transformación personal. Una reflexión que cuatrocientos años después sigue interpelándonos y que conecta de forma directa con uno de los grandes desafíos de nuestro tiempo: garantizar que todas las personas puedan participar plenamente de la vida cultural.

Impulsado por el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro junto a la ONCE y la Fundación ONCE, Acaricia un verso reúne literatura, música y escena en una experiencia que explora distintas formas de acercarse a los clásicos. La lectura en braille, la audiodescripción, la lengua de signos, el bucle magnético y la experiencia táctil dialogan con los versos de Lope de Vega para abrir nuevas formas de encuentro con el teatro y con la palabra.

La actividad contará con la participación de personas vinculadas a la ONCE, cante de AnaMar, a la guitarra El Niño de las Cuevas, y la interpretación de Carolina Rubio y Pablo Béjar, integrantes del elenco de La dama boba, producción de Octubre Producciones dirigida por José María Mestres, que podrá verse en el Festival los días 10 y 11 de julio en la Casa Palacio de los Villarreal.

Acaricia un verso nos recuerda que el acceso al conocimiento transforma la manera en que habitamos el mundo. También que la empatía nace, muchas veces, de la experiencia y del encuentro con otras formas de percibir la realidad. Porque si existe un horizonte para un festival público, para el teatro y para la cultura, es seguir trabajando para que sean espacios de todas y para todas las personas. Y ese camino, como nos enseña Finea, comienza siempre por el conocimiento y el amor.

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Romances. Entre Oriente y Occidente

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Accademia del Piacere regresa a nuestro Festival con Romances: entre Oriente y Occidente, un viaje en el tiempo a través de las músicas árabo-andalusíes y los poemas y romances de España y Oriente Medio. Hasta nosotros llegan piezas de los siglos XV y XVI de creadores como Diego Pisador, Luis de Narváez, Juan del Encina o Cristóbal de Morales —maestros de la vihuela, de la polifonía y de la escena renacentista, autores de églogas, canciones y grandes recopilaciones, cuyas obras combinan con naturalidad lo culto y lo popular—, para revelarnos un paisaje sonoro común en el que distintas tradiciones se reconocen, se transforman y permanecen unidas a través de la música y la memoria.

Con la expulsión de los últimos moriscos de La Alpujarra el canto andalusí pareció confinarse en el recuerdo de los desterrados; pero la Historia no impidió que el arte musical morisco se infiltrara en el folklore andaluz: mezclados en el crisol de la marginación con gitanos y trashumantes, los últimos moriscos nos legaron sus melismas, esa inconfundible manera de vocalizar que, más allá de pruebas musicológicas, hace girar la cabeza a cualquier andaluz cuando oye el canto del almuédano.

Fahmi Alqhai, Ghalia Benali y Dani de Morón, ilustres herederos de las tradiciones árabe y flamenca, unen hoy las voces de aquellos ancestrales parientes artísticos, memorias de un pasado remoto que atraviesa tiempos y distancias para convertirse en nuestra música, viva y palpitante.

El amor brujo: Falla on fire

Orquesta Filarmónica de La Mancha. OFMAN

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La Orquesta Filarmónica de La Mancha (OFMAN) recala en Almagro para ofrecernos El amor brujo: Falla on fire, un espectáculo que reinterpreta la fuerza y la pasión de Manuel de Falla desde una mirada escénica vibrante y contemporánea. La propuesta reúne tres obras emblemáticas y bien conocidas del compositor: Noches en los jardines de España (1916), evocadora y sensual; El sombrero de tres picos (1919), llena de carácter, ritmo y teatralidad; y El amor brujo (1925 en su versión definitiva), donde el misterio y el fuego del deseo se funden en una experiencia intensa.

A través de la música en directo, la danza y una puesta en escena envolvente, el espectáculo enciende los sentidos y dialoga con Falla y la tradición desde el presente. La sonoridad impresionista, el pulso popular y la energía flamenca se entrelazan para ofrecer un viaje emocional que celebra la raíz española de uno de nuestros compositores más universales. Damos la bienvenida a la veterana OFMAN, creada en 2008, y a su El amor brujo: Falla on fire bajo la dirección de Francisco-Antonio Moya.

Laurencia

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“Laurencia no es una versión ni una reescritura de Fuenteovejuna, sino un nuevo texto que surge de la fascinación que me despierta el personaje de Lope de Vega y de preguntas que me acompañan desde que realicé una versión del original en 2017: ¿por qué la ausencia de la madre de Laurencia durante toda la obra? y ¿cómo sería la vida de este personaje después de los sucesos contados en Fuenteovejuna? Ahora ha llegado el momento de imaginar esas respuestas en esta obra que es también una carta de amor —con respeto y libertad— a nuestro inmortal teatro clásico”.

Estas palabras de Alberto Conejero, autor de Laurencia, definen la propuesta con que la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) da voz al inmortal personaje de Lope, encarnado en Ana Wagener bajo la dirección de Aitana Galán, quien amplía el alcance de Laurencia en tanto que “recorre –de alguna forma– la historia desafortunada de tantas de las heroínas de nuestra literatura dramática y, por tanto, recorre también mucha de nuestra Historia y patrimonio cultural”. Los textos clásicos, de nuevo, originan otros textos, otros recorridos que se entrecruzan y se complementan como en un laberinto gozoso de referencias que, en última instancia, se enriquecen mutuamente, nos enriquecen.

Las hijas de Felipe

Podcast (Grabación en directo)

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El Corral de Comedias acoge un año más a dos de nuestras más celebradas divulgadoras del Siglo de Oro: Las hijas de Felipe regresan con sus diálogos tan documentados como irreverentes, tan lúdicos como esclarecedores de lo que fue -de lo que es, para nosotras- el Barroco.

Carmen Urbita y Ana Garrido, además de compartir su erudición y su personal enfoque sobre el periodo áureo en un nuevo episodio del podcast que produce Radio Primavera Sound, presentan en el Festival Instrucción de novicias (Vidas del convento barroco para guiar tu presente), un libro que es resultado de más de quince años de investigación y que ofrece un recorrido fascinante por las vidas de las monjas del Barroco y lo que ocurría en los conventos, espacios gobernados por mujeres que desarrollaron un complejo entramado social en el que tenían cabida el trabajo y la creatividad, la moda y la fama, la amistad y el amor, la política y la economía… Y desde donde estas mujeres propusieron innovadoras soluciones a los agobios de la vida mundana.

Plataforma Corral: De ida y vuelta

Con la colaboración de la Fundación Banco Sabadell

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Las relaciones entre la España del Siglo de Oro y otros países y latitudes toman cuerpo, una vez más, sobre las tablas del Corral de Comedias: si el cautiverio en África resuena en El compuesto milagroso de Cervantes y Saavedra y la conexión entre España e Inglaterra en El trujamán de Cervantes y Shakespeare, este espectáculo de Plataforma Corral, con autoría de Laura Garmo y Nacho León y dirección de Cristina Marín-Miró, nos conduce hasta México en un apasionante viaje De ida y vuelta.

A mediados del siglo XVII, Don Diego, poeta y autor de comedias, decide viajar a las Américas para montar su propia compañía tras ser suspendido el teatro en España por el fallecimiento de la reina. En su intento, conocerá personas de ambos lados del charco con las que no solo compartirá sueños e ilusiones, también verá confrontadas sus propias creencias. Este tercer espectáculo de Plataforma Corral nos propone un juego entre el pasado y el presente, entre el aquí y el allá, cargado de humor y poesía: De ida y vuelta es una comedia en que el acercamiento al Siglo de Oro se dibuja desde la cosmovisión de la otra orilla del Atlántico.

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El buscón

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Aunque antes se hubiera divulgado en copias manuscritas, en este 2026 se cumplen cuatrocientos años de la publicación en Zaragoza de Historia de la vida del Buscón, llamado don Pablos; ejemplo de vagamundos y espejo de tacaños, de Francisco de Quevedo. Y divulgar El Buscón entre espectadores y oyentes es precisamente el objetivo del equipo de Radio Nacional de España (RNE), con esta nueva Ficción Sonora que podremos disfrutar en el Corral de Comedias de Almagro. Espectáculo en directo, teatro radiofónico, representación… Los micros de RNE se visten de clásico para conmemorar, con el Festival, el aniversario de esta historia imperecedera de nuestra novela picaresca.

Unas notas para recordarla: Pablos, hijo de un barbero ladrón y de una madre hechicera, sueña con ascender en la escala social y convertirse en caballero. Pero el intento de medrar le lleva de fracaso en fracaso… Picaresca y sátira feroz de la España áurea, donde las apariencias y la obsesión por el honor contrastan con una realidad profundamente desigual, nos esperan en el Corral de Comedias de mano de esta Ficción Sonora de RNE.

A quién contaré yo mis quejas

Concierto - Recital

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Los romances viven en la voz, viajan de un labio a otro, atesorando historias para no perderlas. Historias con acento femenino. Historias también con aroma a desarraigo. Hablan de amor, de ausencias, viajes, tragedias, despedidas… de todo aquello que nos da o nos quita la vida. Late en los romances la memoria y se hacen nuevos con cada voz que los canta y cada oído que escucha. Cada romance, cada canción renace con su ritmo, su respiración y su manera de decir lo que a todos mueve y conmueve.

Este verso de Francisco de Salinas, A quién contaré yo mis quejas, da título a concierto-recital creado por dos artistas absolutamente excepcionales: Rosa León y Pepe Viyuela. La voz y la sensibilidad de Rosa León necesita tan poca presentación como el talento interpretativo y escénico de Pepe Viyuela. Artistas siempre de su tiempo, comprometidos con el ahora, ejercen esta vez de anfitriones en el Corral de Comedias. La palabra y la música se citan en escena dando a luz un espectáculo que con reflejos de antaño ilumina el presente.

El compuesto milagroso de Cervantes y Saavedra

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«Cuando se juntan las fuerzas con el ingenio y el ingenio con las fuerzas, hacen un compuesto milagroso».

El 49º Festival de Almagro sitúa a Cervantes como eje de ocho propuestas de su programación, de las cuales varias abordan el cautiverio. Recuerda Brenda Escobedo, directora de El compuesto milagroso de Cervantes y Saavedra, que “Cervantes dejó diseminado a lo largo de toda su obra ese tema: en Don Quijote, El trato de Argel, Los baños de Argel y Persiles y Sigismunda. Su propia experiencia, el conflicto religioso de sus personajes dramáticos y la picardía de actores en plazas públicas que fingían haber estado cautivos para sacar dinero” conforman al protagonista de este espectáculo, interpretado por Ernesto Arias en un divertido monólogo “que nos cuestiona si el personaje que nos entretiene es un protagonista de las comedias de Cervantes, un ‘street performer’ atrapado en su rutina, todos los cautivos del siglo XVII, o el propio escritor preso en nuestra idea de teatro”. Otro juego de espejos, de identidades y de referencias textuales en esta propuesta producida por EscénaTe que devuelve a Cervantes al Corral de Comedias de Almagro.

El noble arte del engaño

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La reivindicación de la libertad y la conquista de una identidad social propia por parte de la mujer en el Siglo de Oro están presentes en varios espectáculos de esta 49ª edición del Festival.

Así ocurre en El noble arte del engaño. Scándere nos traslada a los años treinta del Siglo XVII: aunque Felipe IV ha prohibido la prostitución legal en España, resiste en el corazón de Almagro un burdel clandestino donde la docta alcahueta Gaspara la Lagartona enseña a sus hijas a enredar y desplumar a sus clientes. Pero cuando llegue el moralista padre Hierro para delatarlas, fingirán ser comediantes en un desesperado intento por preservar su libertad.

Con dirección de Laura Ferrer y texto de Arturo Martínez Vázquez, El noble arte del engaño es, en palabras de su autor, “una loca farsa barroca, inspirada en testimonios históricos, con música original en directo, versos de Calderón, Lope y Quevedo y mucha participación del público. Corral y burdel, actrices, público y ficción se confundirán para desenmascarar las hipocresías de la sociedad contrarreformista... y quizás de la nuestra”.

De doblones y amores

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La picaresca, el engaño y el amor se mezclan en esta pieza teatral breve, para llevarnos al mismo Siglo de Oro y mostrarnos las vivencias de una sociedad que siempre tuvo reflejada en los propios Corrales de Comedias.

De doblones y amores cuenta con estos estamentos sociales para componer una comedia donde la vida de los cómicos de la época, junto con el mismo público, conforman un todo para crear una puesta en escena donde no existe la cuarta pared. Comunicación, diversión, celebración y también historia del Corral -también protagonista, cómo no- y de nuestro Siglo de Oro en este espectáculo para toda la familia que nos ofrece la Cía. Teatralizadas del Corral de Comedias, con producción del Ayuntamiento de Almagro.

A veces la mejor forma de viajar en el tiempo, es recrearlo. ¿Nos acompañas?

El trujamán entre Cervantes y Shakespeare

Descripción

Mucho antes de nuestro mundo globalizado, los textos viajaban, establecían rutas, conexiones culturales… España, Flandes, Inglaterra… Y había personas cruzando fronteras, llevando palabras de un lado a otro: de Cervantes a Shakespeare. Una de ellas traduce, media, hace posible que los dos genios se entiendan. Y nadie lo mira. Es El trujamán de Cervantes y Shakespeare.

Existieron miles: traductores, intérpretes, mediadores. Gente que sostuvo la historia sin firmarla. Conversos, forasteros, invisibles.

Así lo cuenta Pepe Zapata, autor de esta propuesta de Teatro de Dos que tomó forma y se desarrolló en las segundas residencias artísticas del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro: “La obra nace de una pregunta incómoda: ¿valió la pena existir sin ser visto? Y de una certeza: vivimos rodeados de trujamanes. Cuidadoras, técnicos, repartidores, intérpretes. Gente que cruza para que otros se entiendan. Y desaparece en el acto”.

El trujamán de Cervantes y Shakespeare da voz a “quien nunca pudo hablar. Teatro de palabra. Un actor. El viento que entra y sale. Y la pregunta que queda flotando”.

Fiesta

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Como sabemos, música y baile formaban parte esencial de las representaciones de los corrales en nuestro Siglo de Oro: entre jornada y jornada, un baile, una pieza corta amenizaba la escena. Poniendo en el centro la voz, el cuerpo y la autoría femenina, Fiesta propone la recuperación y relectura contemporánea de cuatro bailes escritos por Margarita Ruano, actriz y autora de la segunda mitad del siglo XVII.

Tres bailes para tres directoras y un baile final abordan desde lenguajes escénicos diversos el juego, el deseo y la celebración teatral: Baile del juego de vuelen pajaritos, dirigido por Marta Poveda; Baile del veneno de los sentidos, bajo la dirección de Natalia Llorente y Baile de los títulos de comedias, dirigido por Laura Ferrer. Las tres se ponen al frente Baile de las posadas de Madrid, el broche final que cierra la Fiesta por todo lo alto.

Fiesta reactiva los bailes como espacios de libertad, juego y celebración, conectando la tradición barroca con una mirada escénica actual.

R&J

A partir de la obra de William Shakespeare

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¿Es Romeo y Julieta el texto perfecto para reflexionar hoy sobre el concepto de amor? ¿Qué queda de ese “amor eterno” en una era de vínculos líquidos y relaciones abiertas? Estas y otras preguntas nos plantea María Goiricelaya a través de R&J. “¿Qué hay de ese amor que nos vendieron en verso y nos dejó temblando en prosa?” R&J, según la autora, “hackea el amor, lo cuestiona y lo abraza tal y como es hoy: líquido, múltiple, ansioso, consciente, contradictorio, corporal, disidente”. Un escenario que acoge este gran clásico para desmontar prejuicios y celebrar este nuevo indómito y fascinante paradigma del AMOR”.

Recibir en el Festival de Almagro a La Dramática Errante es acoger a una compañías que desde 2021 refleja y cuestiona nuestra realidad en escena, ya sea inspirándose en nuestro presente o, como en este caso, a partir de los clásicos. Al hilo de R&J tendremos, además, la oportunidad de unirnos a la conversación entre María Goiricelaya y Valerio Rocco, filósofo y director del Círculo de Bellas Artes de Madrid, alrededor del tema “El amor y la muerte barroca” y su vínculo con la juventud -tan presente en Romeo y Julieta, pero también entre los jóvenes de hoy- en uno de nuestros Encuentros en el Parador.

Al son de Cervantes

Descripción

Dos cómicos inspirados en los intérpretes del Siglo de Oro -La Cervantona y El Cervantillo-, acompañados por un cuarteto de cuerda, proponen un espectáculo escénico que acerca al público familiar el universo de El Quijote y la música barroca desde una perspectiva lúdica y accesible. La puesta en escena combina teatro, poesía, malabares y música en directo, especialmente la Burlesque de Don Quixotte de Telemann, la conocida obra en la que el compositor alemán recrea algunos de los capítulos más característicos protagonizados por Don Quijote y su escudero, Sancho Panza.

Así, los actores evocan el espíritu de los antiguos cómicos de la legua, transformando el escenario en un espacio dinámico donde la literatura y la música se entrelazan, donde el público se acerca a Don Quijote y al imaginario cultural del Siglo de Oro desde la emoción y el humor. Una buena muestra de la promoción de la creatividad y la educación artística que caracteriza el trabajo de Ana Hernández-Sánchiz y la compañía Arquetípicas.

El enfermo imaginario

Descripción

Esta versión para toda la familia de la clásica comedia de Molière que presenta la compañía Vidas de alambre, dirigida por Andrea Waitzman y Myriam Ratés, pone a Antonia, la criada del hipocondriaco Argán, en el centro de los cómicos enredos que origina el aprensivo Argán cuando, únicamente por su interés, pretende casar a su hija con un médico. Antonia participa en la historia, la conduce como titiritera, da vida a los personajes, desentraña las situaciones y las resuelve con astucia e ingenio. Títeres de gran formato y juego con el público se dan la mano en esta comedia que, como quiso el clásico, muestra algunas de las costumbres, pasiones y debilidades presentes en todos nosotros.

El espectáculo, con amplio recorrido desde su estreno en el Centro del Títere, es la última creación de Vidas de alambre, compañía que nació en 2011 y que explora en sus propuestas distintas técnicas —títeres de mesa, muppets, de guiñol, corporales y de gran formato— para diseñar y construir sus títeres, siempre al modo artesanal.

El Bistró de Julieta. Una sabrosa adaptación de Fuenteovejuna.

Descripción

Una cocina llena de utensilios, aromas imaginados y ritmos: ollas, espátulas, cucharones y cacerolas para que Julieta —la cocinera del bistró— nos guíe por los acontecimientos y personajes de Fuenteovejuna, la célebre historia creada por Lope de Vega que la propuesta de Teatro Firulete busca acercar a los más pequeños, respetando la esencia del relato y a la vez creando un espectáculo vivo y participativo, lúdico y atractivo para toda la familia, apoyado en el juego y la diversión. Julieta logra despertar la curiosidad por el teatro clásico en los niños, como indica la compañía, “con sus cachivaches de cocina, la música original especialmente compuesta para el montaje, el dinamismo propio de los hechos narrados y una medida y cuidada participación del público.”

El bistró de Julieta participa de una característica que define los espectáculos de títeres de Teatro Firulete: la música -por sí misma, pero también como elemento narrativo indispensable- juega un papel fundamental y se erige como un elemento distintivo en sus shows.

Ganador 15º Certamen Internacional Barroco Infantil

Espectáculo ganador:

Ganador 15º Certamen Internacional Almagro Off

Espectáculo ganador:

La tempestad del océano

A partir de La tempestad de William Shakespeare

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Barroco Infantil se adentra también en el universo de Shakespeare. En un rincón olvidado de un océano colapsado, tres seres habitan una isla frágil: Próspero, un clown obsesionado con el control; Miranda, de mirada inocente y juguetona; y Calibán, un cuerpo insurgente que lucha por el equilibrio perdido. La Tempestad del Océano se adentra en este microcosmos simbólico para hablar a toda la familia, con un lenguaje universal hecho de gesto, ritmo, humor y poesía visual, de la relación rota entre la humanidad y el planeta azul.

Teatro gestual, clown y una escenografía de gran carga simbólica se combinan en una dramaturgia libre con origen en La tempestad del dramaturgo inglés. Estamos ante un espectáculo de vocación transformadora, un catalizador de esperanza que conecta con la necesaria sostenibilidad de nuestro siglo XXI. Un divertido viaje escénico para pequeños y mayores, pero también una herramienta de conciencia que navega entre la fantasía y la necesidad de atender la urgencia ecológica de nuestros océanos. La tempestad del océano da voz al mar en Almagro.

Cautivas por Cervantes

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El tema del cautiverio alienta varios de los espectáculos de la presente edición del Festival. Pero, ¿cuál es la esencia del cautiverio?

Cautivas por Cervantes es un proyecto de investigación y creación escénica que se gesta en una de las residencias del Festival de Almagro del pasado año y se estrena en este. Parte de Los baños de Argel, La gran sultana y El gallardo español, textos que exploran el choque entre culturas, las relaciones de poder y las tensiones en torno a la identidad. Estas cuestiones conectan con problemáticas actuales como las desigualdades sociales, la marginalización de ciertos cuerpos y las distintas formas de cautiverio que siguen presentes en la sociedad contemporánea.

Inspirándose en la propia experiencia de cautiverio de Cervantes, mediante la integración de fragmentos del autor con nuevos materiales poéticos y con una perspectiva escénica interdisciplinar que acerca la tradición clásica al arte del siglo XXI, Cautivas por Cervantes pone sobre las tablas a las mujeres de las tres obras citadas en un auténtico ejercicio de conexión entre la memoria histórica y las inquietudes del mundo actual.

Claramonte: a partir de La estrella de Sevilla

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El singular acercamiento de elpreciodelpeine a la obra La Estrella de Sevilla se articula a través de la figura del autor murciano Andrés de Claramonte, al que coloca en el centro del espectáculo en un diálogo entre el presente y el Siglo de Oro. Confusa tras su reciente ruptura, Alejandra orienta su caos emocional hacia una investigación minuciosa sobre Claramonte: archivos, métricas, rastros lingüísticos y también la incertidumbre de su propia vida la asfixian… Solo en la ficción de La Estrella de Sevilla, atribuida por algunos a Claramonte, los personajes encontrarán un espacio para mirarse, entenderse y, finalmente, respirar.

Claramonte privilegia y combina la música y el espacio sonoro, las canciones, el humor y la autoficción en una lectura contemporánea que involucra al espectador en un viaje hacia su propia identidad a partir de la pregunta: ¿Quién fue Andrés de Claramonte?

María Rodríguez, directora, es fundadora de elpreciodelpeine y coproduce este espectáculo con Arena Teatro y Danza, espacio de referencia en Murcia con más de 35 años de trayectoria.

Batallando: La vida es sueño

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Un espectáculo diferente y vibrante cada noche que añade al dilema calderoniano sobre el sueño y la vida, sobre la predestinación y el albedrío, un juego casi deportivo en el que el público se transforma en el pueblo de Polonia y tendrá que decidir quién gobierna tras vencer en el combate, si Basilio o Segismundo… Una vez planteada la trama calderoniana, este dispositivo interactivo orienta a los personajes -y a los espectadores- hacia el mundo y las dinámicas de las batallas de rap. ¿Nuestro albedrío será capaz de cambiar la historia?

“El destino ya no se escribe

en las estrellas

sino en las rimas

Un Segismundo

Un Basilio

Distintos cada noche

Se enfrentan en una épica

batalla de rap

Aquí el trono no se hereda

Se gana a golpes de verso

Tú

como parte del pueblo de Polonia

decides al nuevo rey con tu ruido

Comienza una revolución

Una destrucción

de lo que está escrito

Si la vida es un sueño

¿por qué prefiero dormir?

Jow jow"

Quien calla, otorga

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Almagro Off nos presenta Quien calla, otorga. Una comedia palatina de Tirso de Molina, segunda parte de El castigo del penseque. Centrada en la peripecia amorosa de Aurora, Don Carlos, Narcisa y Don Rodrigo, la adaptación de Mar Calvo se ha abordado desde una mirada cercana y anacrónica, poniendo en primer plano a los personajes, el humor y los temas que atraviesan esta obra en la que la mujer -y en concreto Aurora- es el motor, quien impulsa y desarrolla conscientemente la acción. “Nosotras apostamos por mantener hasta el final el coraje de los personajes femeninos e introducir referencias actuales como espejo de las de entonces”, dicen Mar Calvo y la directora, Ares Blasco. Define Blasco la obra como “un texto de gran ingenio, humor y dinamismo escénico. Y, aunque es una segunda parte, condensa la trama anterior con claridad y autonomía, permitiendo al espectador seguir la historia sin dificultad”.

El Festival vuelve a jugar la baza de la comedia y a apostar por los creadores y creadoras jóvenes con este espectáculo de Diéresis que, además de ser inclusivo y accesible, tiene su estreno absoluto en Almagro.

reVIVIRla

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La sensibilidad del Festival hacia la mirada femenina y el lugar de la mujer en el Siglo de Oro y nuestros días está presente en varios espectáculos, varias sensibilidades compartidas en la programación de este año. También en ReVIVIRla, de Sesea Producciones, que recuerda que hace cuatrocientos años la pena hacia el asesino de una mujer variaba según la edad fértil de ella; que las mujeres pasaban prácticamente de ser propiedad de su padre a ser propiedad de su marido; que la violencia dentro de un matrimonio no se cuestionaba... Y nos presenta a Francisca de Pedraza, una mujer que se llenó de dignidad y se rebeló contra su muerte segura, consiguiendo lo que se considera la primera sentencia contra la violencia de género en la historia de España.

Marta Fuenar y Jon Arráez, actriz y director de reVIVIRla, además de autores de la dramaturgia y fundadores de esta compañía canaria, definen el espectáculo como “un relato emocional más que puramente histórico” que viene a hacer justicia al dar a Francisca de Pedraza un espacio en el imaginario colectivo, una voz, y, a dársela también a las miles de mujeres anónimas que a lo largo de la historia han sufrido la violencia masculina.

Bruja!

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Bruja! es una propuesta escénica que se aproxima al teatro del Siglo de Oro español a través de la danza, a partir de una selección de textos clásicos escritos por hombres pero pronunciados por personajes femeninos que son revisados desde una mirada contemporánea. Nos interpelan Doña Mencía, Casandra, Laurencia, Nise y Finea, Serafina… y tantas otras. Su verso clásico se transforma, a través del trabajo coreográfico, en una especie de partitura musical que genera movimiento y danza. Desde este enfoque, se reflexiona sobre el papel de la mujer en el contexto social en que fueron creados esos textos, tratando de comprender a las mujeres de nuestro pasado desde una perspectiva empática y de sororidad.

Manuela Barrero con su compañía Manuela Barrero dlcAos ha sido coreógrafa residente en algunos de los teatros más importantes, ha actuado en festivales de prestigio dentro y fuera de España y hemos visto sus coreografías para espectáculos teatrales y de zarzuela. Ahora presenta en Almagro su trabajo Bruja!, en coproducción con la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

Don Chisciotte

A partir de El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha

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A partir de momentos emblemáticos de la novela de Cervantes y de un guion manuscrito para marionetas de 1879, nunca antes representado y conservado en sus archivos, la Compagnia Marionettistica Carlo Colla e Figli nos trae desde Milán este delicioso Don Chisciotte.

Las hermosas marionetas de madera recrean las aventuras del hidalgo junto a Sancho -interpretado en el manuscrito por Gerolamo, la marioneta que simboliza Milán- y ponen ante nuestros ojos el juego entre fantasía y realidad, el choque entre la grandeza épica del caballero y la simple humanidad de su escudero. Un viaje, en palabras de Franco Citterio, titiritero y director artístico, “a través de paisajes soleados, gigantes imaginarios y princesas de marioneta, en un torbellino de aventuras, ironía y desilusión poética, hasta que la redención final del caballero surge de sus incansables andanzas”.

Recibir a la compañía Carlo Colla e Figli, cuya actividad profesional se acredita ya en 1835, es traer a Almagro una página de la historia del teatro de marionetas italiano, algo posible gracias a la labor preservadora de la actividad de la compañía que realiza la Asociación Grupporiani, productora del espectáculo.

El Caballero de Olmedo

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El 49º Festival de Almagro se inaugura con uno de los espectáculos más esperados, el estreno absoluto por la Compañía Nacional de Teatro Clásico de El caballero de Olmedo, con dirección de Laila Ripoll, nueva propuesta de uno de nuestros textos canónicos del Siglo de Oro. 

Y, como dicen desde la CNTC, también uno de los más hermosamente poéticos. Estrenada en 1620, los espectadores asistían a una especie de crónica de una muerte anunciada en la que, desde el inicio, conocían más que los personajes mismos, por lo que esa suerte de fatalidad generaba una profunda inquietud. Más de cuatrocientos años después los espectadores continuamos siendo cómplices, continuamos compartiendo el secreto del destino de los personajes, pero también sabemos hoy que don Alonso es un claro precedente del posterior héroe romántico; sabemos que la poesía de diálogos y situaciones está cargada de mitos presentes en las historias de terror de muchas culturas (aparecidos, emplazados, el destino terrible e inevitable);  y que, ya en el siglo XX, Freud hablará de Eros y Thanatos, las pulsiones contrarias pero inseparablemente unidas de la vida y la muerte… ¿Cómo no volver a Olmedo con todo ese arsenal de conocimiento contemporáneo?

La canción popular y el monstruo. El héroe romántico de luz y el antihéroe rodeado de sombras y oscuridad: Don Alonso y don Rodrigo.

El contraste entre la vida y la muerte, la luz y la sombra.

Y lo inevitable.

El escondido y la tapada

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Dos razones hacen de El escondido y la tapada un verdadero acontecimiento teatral. Primero, como indica su directora, Beatriz Argüello, porque siempre lo es ampliar el canon de la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC). Más aún con una comedia deliciosa de Calderón de la Barca, heredera de títulos tan conocidos como La dama duende, Casa con dos puertas, mala es de guardar o El galán fantasma.

Comedia en la que no solo hallamos enredos amorosos, duelos de honor, identidades ocultas y un humor vibrante: también se advierte la crítica a las normas sociales impuestas sobre el honor de la mujer y su control por parte del hombre. Calderón sitúa a esta en el centro de la acción: ella es quien enreda, desobedece y rompe con la obligación del decoro en busca de su propia identidad frente a lo establecido.

Y acontecimiento teatral, también, porque El escondido y la tapada es la carta de presentación de la séptima promoción de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico. Doble acontecimiento, por tanto, en el que el talento de las jóvenes actrices y los jóvenes actores se sumará a la riqueza de este maravilloso texto que la CNTC trae al Festival de Almagro.

El lindo don Diego

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El lindo Don Diego es uno de esos textos que tienen la capacidad de darlo todo, pero a cambio de todo. Permiten realizar una traslación -en este caso a la Italia de 1930- pero a cambio de tener algo poderoso que decir sobre ella y sobre sus personajes. Y ofrece y exige estar a pleno rendimiento en cuestión de la forma, el ritmo, la imagen, la palabra, los planos de acción, etc. La compañía MIC Producciones, con Borja Rodríguez en la dirección, ha querido ser audaz y jugar este salto para hablar de la humanidad a través del clásico.

Porque, ¿hay algo más actual que hablar de la capacidad de un narcisista para desbaratar los anhelos más nobles en favor de una fantochada? Alrededor de Don Diego el mundo sufre, se desbarata y se arrebata como en una pieza de Goldoni, recordándonos a los criados de la Commedia dell’Arte, a los enamorados, a los arquetipos que tanto ingenio desparramaron sobre las tablas. La traslación italiana no es casual ni caprichosa; el juego de espejos con lo que nos ocurre hoy, tampoco. Y esos espejos, brillantes en la versión que firma Fernando Sansegundo, nos devolverán, tal vez con justicia, la imagen que ignoramos de nosotros mismos.

El perro del hortelano

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La película El perro del hortelano, dirigida por Pilar Miró, marcó un hito en 1996 al trasladar el texto de Lope de Vega al cine con gran fidelidad y al mismo tiempo con enorme talento cinematográfico, respetando el lenguaje y la esencia del original. La condesa Diana, uno de los personajes femeninos más relevantes de nuestro teatro clásico, se debate entre su amor por su secretario Teodoro y las normas sociales que impiden la relación, reflejando los conflictos de honor y deseo característicos del Siglo de Oro. Emma Suárez y Carmelo Gómez interpretaron a estos personajes y la película sobresalió, además, por su cuidada ambientación, vestuario y fotografía. Fue ampliamente reconocida no solo por el público y la crítica, sino también en los Premios Goya de 1997, donde obtuvo siete galardones, incluido Mejor Dirección y Mejor Guion Adaptado, consolidándose como una de las mejores versiones del teatro clásico español realizadas en cine.

La libertad pretendo

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Dos mujeres buscan la libertad. De una nace la otra, como en una matrioska infinita: un relato que se contiene y se desborda, que se replica y se interroga sin fin. La Serrana de la Vera la persigue como venganza devastadora: amazona criminal de sierra y cortados, figura de violencia y desgarro. De ella emerge la otra —el Animal de Hungría—, que busca la libertad a través del conocimiento y, finalmente, del amor. 

La libertad que ambas persiguen no es una meta, sino un trayecto. No es premio, sino pregunta. Es lucha, anhelo, faro en el horizonte de un presente herido: un territorio devastado donde el sentido se busca —y se pierde— constantemente. La joven y la mayor. La inocencia y la experiencia. Son la misma: una engendra a la otra en un ciclo sin cierre. Perplejas. “Somos la especie fabuladora”: sobrevivimos contándonos historias. Somos nuestro propio relato. Y hoy, ellas —las privadas de libertad, las relegadas, las burladas— ocupan el centro de la escena.  Ellas. Y solo ellas.

La libertad pretendo es el espectáculo ganador de las ayudas a la producción de la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha y el Festival de Almagro.

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La dama boba

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¿Puede el conocimiento y el aprendizaje transformarnos y sacar a la luz la auténtica identidad y derribar los tópicos interesados? En palabras del director Josep Maria Mestres, “La dama boba resuena hoy con una fuerza inusitada, invitándonos a cuestionar las apariencias y la presión por encajar en una sociedad que nos encorseta”. El amor permite a Finea transformarse y adquirir un saber que se nutre de la curiosidad; así se desprende de las máscaras, conquistando una nueva identidad ante sí misma y ante los otros. “De este modo -continúa Mestres-, la travesía de Finea nos recuerda que, más allá de las apariencias y de los moldes sociales, cada persona con amor al saber y con valentía, puede liberarse, crecer y encontrar una versión más plena y auténtica de sí misma. Un camino que sigue resonando en quienes se atreven a ser ellos mismos.”

Todo ello sin que el enredo y la comicidad deje ni por un momento de impulsar la trama de La dama boba, una de las comedias canónicas de nuestro teatro áureo que, en esta ocasión, nos llega en versión firmada por la dramaturga Xus de la Cruz.

El Cautivo

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Con El cautivo (2025) abordamos en el Festival un tema y un autor también presentes, desde otros puntos de vista y sensibilidades, en la programación de este año: nos referimos al cautiverio y a Miguel de Cervantes. La película de Alejandro Amenábar se basa en uno de los episodios menos conocidos de la vida del autor, los cinco años que pasó en Argel tras ser capturado por corsarios en 1575. Intentos de fuga, resiliencia, la creación como vía de escape de la adversidad y un profundo contacto con otras culturas del Mediterráneo jalonan el periodo que refleja la película, cuya huella se rastrea perfectamente en el teatro y la narrativa del autor.

La imaginación de Amenábar conecta todos estos elementos con múltiples guiños a la obra de Cervantes y nos presenta este episodio como una clave para entender la visión cervantina del ser humano: El cautivo no es solo una reconstrucción biográfica, ni un relato que combina drama y aventuras, sino una reflexión sobre la identidad, la libertad y la imaginación como refugio frente a la adversidad.

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Sueño de una noche de verano

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Teatro Muxicas es un espacio de creación artística conformado por actrices y actores con discapacidad visual creado y apoyado por la ONCE de Ourense. El grupo lleva más de veinte años contribuyendo a que las personas con diversidad funcional puedan desarrollar y plasmar su creatividad en escena.

En el bosque donde sueñan los enamorados, la noche confunde los caminos y los ojos se vuelven instrumentos del hechizo. Una flor encantada cambia el rumbo del amor: quien despierte, amará al primero que vea, aunque sea un asno o una sombra. Entre hadas, duendes y mortales extraviados, los sentidos se trastocan y el deseo juega a disfrazarse. La luz de la luna vela por quienes ya no miran con la vista, sino con el alma. En este Sueño de una noche de verano los ojos engañan, pero el corazón, ciego y sabio, encuentra su propia manera de ver.

Sueño de una noche de verano, de William Shakespeare, se convierte en esta versión de Teatro Muxicas en una celebración del teatro como territorio de los sentidos, la imaginación y la escucha, un lugar en el que redefinir el acto de mirar.

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Palabra de perro

A partir de El Coloquio de los Perros de Miguel de Cervantes

Descripción

“Los primeros animales que imaginé en un escenario fueron Cipión y Berganza, protagonistas de esta fantasía teatral titulada Palabra de perro que concebí bajo el impacto de la genial narración cervantina El coloquio de los perros”, indica Juan Mayorga. Leyendo esa novela ejemplar el autor empezó a convencerse de que llevar al escenario un animal, además de abrir muchas posibilidades escénicas, “podía tener un alcance moral y político en un tiempo salvaje como lo es el nuestro”.

En esta obra, Mayorga imagina que Berganza da cuenta de su vida a Cipión por primera vez, recordando el tiempo vivido a la vez que descubre y construye su identidad y se acerca al origen misterioso de su capacidad de hablar. La directora, Rakel Camacho, recoge esta idea al definir Palabra de perro como “un viaje hacia la consciencia mediante el don de la palabra”.

Identidad, libertad, igualdad, hipocresía, autoconocimiento… atraviesan este coloquio que es también diálogo libre entre Mayorga y Cervantes, entre nuestro tiempo y el Siglo de Oro, un juego de reflejos a través de la fantasía, el humor y la compasión cervantina, asumidas plenamente por el autor y la directora de Palabra de perro. Lantia Escénica produce este espectáculo con la colaboración del Festival de Teatro Clásico Castillo de Peñíscola y Diputación de Castellón.

Bajo las estrellas del Corral

Documental

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No busquen otro igual porque no lo van a encontrar. El Corral de Comedias de Almagro es el único centro teatral que permanece activo tal y como era hace casi cuatrocientos años, desde que Leonardo de Oviedo se hiciera responsable de su construcción. Era 1628 y este presbítero de la Iglesia de San Bartolomé el Viejo pidió permiso al consistorio para la edificación del corral en el patio del Mesón del Toro, de ahí su doble funcionalidad como mesón y como teatro, claro. Lo que vendría después ya sería historia; empezando la primera representación de la que se tiene referencia a cargo de la compañía de Juan Martínez en 1629.

Bajo las estrellas del Corral indaga en las sensaciones y sentimientos que a lo largo del tiempo ha inspirado y produce un espacio tan emblemático en el mundo cuya estructura, casi intacta, ha permanecido a través del tiempo. Antonio Garrido, la voz en off del documental, nos adentrará en una mágica historia cuyas protagonistas son las estrellas, las del cielo y las de las tablas, así como los responsables de administraciones públicas que han velado por proteger el Corral a lo largo de los años.

Quijotescas

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Después de 40 años de trayectoria y múltiples premios, Teatro YESES, compañía formada por mujeres privadas de libertad y actores del exterior, sigue apostando por la reinserción social a través de la escena. La compañía regresa al Festival de Almagro un año más, esta vez con Quijotescas, de Julieta Soria.

Elena Cánovas, directora y alma de Teatro YESES, define la obra como una epopeya feminista que muestra el camino hacia la libertad de un grupo de mujeres capitaneada por Doña Juana, incansable lectora que decide salir al mundo con sus criadas a desfacer entuertos y descubrir que la libertad también puede conquistarse en la vida a través de la literatura. Conocedoras de historias a través de los libros, estas mujeres descubren sus sueños e inquietudes y deciden convertirse en dueñas de su propio relato. “Yo no pido nada a nadie, solo que me permitan vivir como deseo y ser quien sé que soy”, dice Doña Juana. Y su anhelo viaja hasta nosotros, un anhelo de libertad a través de la cultura que late en Teatro YESES desde sus comienzos, como incuestionable seña de identidad.

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Entre bobos anda el juego

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Tras recibir el pasado año el homenaje por sus 40 años de trayectoria, Morboria regresa al Festival de Almagro con Entre bobos anda el juego. Eva del Palacio firma la dirección y adaptación de esta divertidísima comedia de Francisco Rojas Zorrilla que se considera la primera obra de figurón conocida -o de figurones, pues son varios los protagonistas caracterizados de manera caricaturesca y exagerada-. En palabras de la compañía, la obra resulta “un despliegue de ingenio, juego y teatralidad en el mejor muestrario de acción del teatro clásico español”. Y Morboria la sirve con su habitual talento y fantasía escénica, como una muestra más -y han sido varias en los últimos años- de su enorme interés por los textos de Rojas Zorrilla.

Pero, ¿en qué consiste el juego que plantea el autor? Don Antonio ofrece a su hija Isabel en matrimonio a don Lucas, rico figurón provinciano, narcisista y ridículo. Isabel, joven refinada, ama en secreto a don Pedro, quien le salvó la vida. Viajes, identidades ocultas, celos y confusiones van marcando la partida hasta que el ingenio vence a la necedad y el amor triunfa, dejando al gran bobo sin la gloria que ambiciona.